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A Chinese Ghost Story (HK 1987)

Als Steuereintreiber im alten China hat man durchaus kein leichtes Leben. Schließlich bezahlt niemand seine Steuern mit einem Lächeln auf den Lippen. Auch um den Genuss einer warmen, trockenen Unterkunft wird man mit diesem Job unter Umständen gebracht, wenn das eigene Einkommen von der Liquidität der schrulligen Landbevölkerung abhängig ist. Da muss der treue Staatsdiener schon mal Vorlieb nehmen mit einer alten Klosterruine, die im Dunkel der Nacht von Geistern heimgesucht wird. Der etwas ängstliche Ling (Leslie Cheung), der den soeben beschriebenen Beruf mitsamt seiner Nachteile gewählt hat, landet jedenfalls eines Nachts in solch einer unvollkommenen Herberge und trifft  prompt einen mysteriösen taoistischen Geisterjäger (Wu Ma), der ihn vor dem verspukten Kloster warnt. Zum Heldentum ist Ling zwar nicht gerade geboren, doch zurück in den von rotäugigen Wolfsrudeln bevölkerten Wald möchte er auch nicht. Der junge Steuereintreiber übernachtet folglich in dem schäbigen Etablissement, nichts ahnend, dass ein Stockwerk über ihm  Untote herumlungern. Wesentlich interessanter ist da die geheimnisvolle Siu Seen (Joey Wong), die Ling mit ihrem Lautenspiel einer Sirene gleich in der Nacht zu sich lockt.

Ling verliebt sich natürlich in das mysteriöse Fräulein, doch schon bald stellt sich heraus, dass Siu Seen a) ein Geist ist und b) von einem asexuellen Baumgeist dazu gezwungen wird, (männliches) Frischfleisch in die Untiefen des Waldes zu locken und damit dem Tode preiszugeben. Ein gewisses Konfliktpotenzial hinsichtlich der Beziehung unserer beiden Protagonisten ist also von Anfang an eminent. Aber wenn wir eines aus den über einhundert Jahren Filmgeschichte gelernt haben, dann dass die Liebe dazu in der Lage ist, auch die Grenzen von Leben und Tod zu überwinden.

A Chinese Ghost Story ist offensichtlich ein Liebesdrama. Da der Produzent Tsui Hark heißt, der vor langer Zeit einmal berechtigterweise das Schild “Ich bin der Steven Spielberg Hongkongs” vor sich her trug, ist der Film auch ein mit Old School– Effekten aufwartendes Blockbusterkino Made in Asia, eine Slapstickkomödie, ein Martial Arts-Hingucker mit Wire Fu-Elementen (d.h. herumfliegenden Kämpfern), eine Satire auf die chinesische Bürokratie und natürlich – wie der Titel unübersehbar andeutet – eine Geistergeschichte.

Was bei unzähligen Hongkong-Filmen schon mal voll in die Hose geht – die rücksichtslose Vermengung von  (zuweilen inkompatiblen) Genreelementen (schlimmstes Beispiel: Serienkillerfilm und dümmliche Komödie) – kann in “A Chinese Ghost Story” ohne schlechtes Gewissen mit dem Fazit “Experiment gelungen” benotet werden.

Leslie Cheung könnte schlafwandelnd einen absolut liebenswerten Protagonisten abgeben, läuft hier in Sachen sympathischer Tollpatschigkeit und glaubhafter Emotionalität aber zu Höchstform auf. Dass die Chemie mit der bezaubernden Joey Wong stimmt und auch in den überraschend tragischen Momenten funktioniert, trägt ebenfalls zum positiven Eindruck des Films von Ching Siu-Tung (u.a. Choreograph von “Hero”). Kung Fu-Film-Veteran Wu Ma sorgt hingegen für die nötige komödiantische Abwechslung in der dramatischen zweiten Hälfte des Films, ohne in nerviges Sidekick-Terrain abzugleiten, schließlich darf er oft genug seine Draht- gestützte Kampfkraft zur Schau stellen.

Von der düsteren Atmosphäre des von Nebelschwaden durchzogenen Waldes, der wie von Geisterhand wabernden Schleier, zu den charmanten Stop Motion– Effekten im Geiste Ray Harryhausens bis hin zur unkonventionellen, aber nicht weniger klassischen Handlung: A Chinese Ghost Story nennt einige Vorzüge sein eigen, welche Fans übernatürlicher Schauermärchen mehr als nur zufrieden stellen sollten. Nicht zuletzt bestätigt der Film wiedereinmal die Erkenntnis, dass eine Dosis Fantasie jedem verregneten – oder  in diesem Falle verschneiten – Sonntag Nachmittag einen Funken Wärme abgewinnen kann. Auch wenn man sich vielleicht anschließend von jeder Klosterruine fern hält.

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Trailer: Red Cliff 2

Erstmal wünsche auch ich allen Lesern ein frohes neues Jahr mit möglichst wenigen Flops im Kinosaal und vor der Mattscheibe, sowie einen gigantischen Haufen erinnerungswürdiger Filmerlebnisse!

Eigentlicher Sinn dieses Posts ist aber ein kurzer Hinweis auf mehrere aktuelle Trailer für den zweiten Teil von John Woos Red Cliff-Megaschlachteneposcomeback. Es geht doch nichts über endlose Wortaneinanderreihungen…

Bei Twitch kann man drei asiatische Trailer anschauen und sich ein Bild vom Finale machen. Der folgende koreanische Trailer sähe gar nicht so schlecht aus, wäre da nicht der amerikanische Sprecher (!?) in der zweiten Hälfte, den man wohl schon aus hundert anderen Trailern kennt.

Red Cliff II: The Decisive Battle (Die Entscheidungsschlacht) feiert zu Zeit in China Premiere.

[youtube=http://www.youtube.com/watch?v=6t-VDKX24-8]

Eine Kritik zum ersten Teil und ein paar Infos zur Veröffentlichung des Zweiteilers gibt es hier.

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Red Cliff I (VRC 2008)

Um die wichtigste Frage gleich vorweg zu beantworten: Ja, in John Woos neuem Film Red Cliff tauchen strahlend weiße Tauben auf. Es sind mindestens vier oder fünf, um genau zu sein. Die Entwicklung von Woos Filmografie könnte man glatt mit der hochinteressanten Evolution seines Taubeneinsatzes gleichsetzen. Aus dem spirituellen (christlichen) Symbol  (etwa in The Killer) wurde noch zu Hongkonger Zeiten das Markenzeichen des Regisseurs; gleichberechtigt neben dem Mexican Standoff und Chow Yun-Fat, der in Zeitlupe mit zwei Knarren über den Boden schlittert oder durch die Luft fliegt. Schießend natürlich.

In Hollywood schließlich wandelte sich das von Woo in Interviews so oft verteidigte Symbol zum rein ästhetischen Beiwerk. So mögen in Face/Off, seinem einzigen US-“Klassiker”, die umher flatternden Tauben in einer (katholischen) Kirche auftauchen, doch letztendlich wird ihre Funktion darauf reduziert, Nicolas Cage zum Sterben cool aussehen zu lassen. Anders als noch Chow Yun-Fat darf Cage in diesem Film aber nicht das Zeitliche segnen. Er ist der (amerikanische) Held, auch wenn er das falsche Gesicht trägt. Die Emotionalität, der Fatalismus und die damit verbundene latente Homoerotik, die in beträchtlichem Maße zum Kultstatus seiner Hongkonger Filme beigetragen hatten, mussten in einem anderen kulturellen Kontext zwangsläufig reduziert werden. Woos stilbildende Symbolwelt litt darunter, wurde ausgehöhlt und bedeutungslos.

Was in “Face/Off” noch den Coolness-Faktor wie ein explodierendes Motorboot in die Höhe schießen lässt, verdeutlicht  wenig später die Traurigkeit der Selbstparodie, die sich Mission: Impossible II nennt. Als hätte Tom Cruise als der auf dieser Erdkugel am wenigsten für eine Woo-Zeitlupe geeignete Schauspieler nicht gereicht. Die Fans wandten sich gepeinigt ab. Und recht bald auch das amerikanische Publikum.

Woo war anders als seine Regiekollegen, die sich ebenfalls auf amerikanischem Parkett versucht haben, dort zumindest zeitweise künstlerisch und kommerziell erfolgreich. Tsui Hark (“Once upon a Time in China”) dagegen gab nur ein kurzes Gastspiel für zwei Van Damme-Filme (u.a. “Knock Off”), hat seitdem allerdings selbst in seiner Heimat nicht mehr zu alter Form oder auch nur Kohärenz zurück gefunden. Ringo Lam (“City on Fire”) entkam der Van Damme-Falle nicht so schnell und vergeudete sein Talent in diversen Direct-To-Video-Produktionen.

Anno 2008 befand sich die Hongkonger Actiontrias der glorreichen 80er Jahre offensichtlich in einem erbärmlichen Zustand. Fünf Jahre nach seinem letzten Spielfilm packte Woo entweder diese Erkenntnis oder die pure Nostalgie. Den wirtschaftlichen Bedingungen der Gegenwart entsprechend, zog es ihn in die Volksrepublik China, um sein gigantisches  zweiteiliges Epos Red Cliff zu drehen. Mit Chow Yun-Fat wollte er wieder arbeiten und mit Tony Leung Chiu-Wai; das Hard-Boiled-Dream Team wieder vereint. Ersterer sagte kurz vor Drehbeginn ab. Leung wollte zunächst nicht, übernahm in letzter Minute jedoch die für seinen Kollegen vorgesehene Rolle.

Um v.a. das ostasiatische Publikum endgültig für das teuerste chinesische Filmprojekt aller Zeiten zu gewinnen, wurden außerdem Kassenmagneten wie Takeshi Kaneshiro (“Chungking Express”), Chang Chen (“Tiger and Dragon”) und Vicki Zhao Wei (“Shaolin Soccer”) verpflichtet. Red Cliff ist allein dank der Besetzung der feuchte Traum aller Asia-Film-Fans. Schöne Gesichter in schönen Kostümen dabei zu beobachten, wie sie sich durch tragische historische Stoffe quälen – das kommt zur Zeit auch sehr gut an in den stetig zunehmenden Kinos der Volksrepublik.

Wie andere chinesische Historienepen der letzten Jahre dreht sich Woos Ausflug in die Geschichte um ein in der Bevölkerung höchst populäres, reichlich sagenumwobenes Ereignis: Der Schlacht am Roten Felsen. Im Jahr 208 (das riecht nach einem Jubiläum) hatte diese stattgefunden und für allerhand Wirbel in der chinesischen Geschichtsschreibung gesorgt. Für den in fernöstlicher Historiographie unbewanderten Cineasten genügt eine kurze Zusammenfassung:

Der mächtige Premierminister der Han, Cao Cao (Zhang Fengyi), überredet den schwächlichen Kaiser zu einem Kriegszug gegen zwei Kriegsherren im Süden, um China zu vereinigen. Davon Nachricht erhaltend verbünden sich die beiden Widerständler Liu Bei und Sun Quan dank der Vermittlungversuche von Liu Beis taktischem Berater (Takeshi Kaneshiro) und Sun Quans General (Tony Leung). Mit mehreren hunderttausend Mann bestückt, segelt Cao Caos Flotte auf dem Jangtse südwärts, um die zahlenmäßig unterlegenen Kriegsherren zu zermalmen.

Da ein Film nicht nur aus einer Schlacht bestehen sollte (siehe “300”), aber die vielen in die Vorgeschichte verstrickten Figuren den Zuschauer innerhalb der Laufzeit von zwei Stunden womöglich überfordern würden, entschied sich Woo für eine Zweiteilung des Films. Vielleicht wollte er auch nur sicher gehen, dass die Produktionskosten unabhängig von der Vermarktung im Westen wieder eingespielt werden. Wie dem auch sei, den Figuren – eigentlich nicht gerade die Stärke des Regisseurs – konnte es nur zu Gute kommen.

Im hier besprochenen ersten Teil wird die Vorgeschichte der berühmten Schlacht erzählt. Von der Kriegserklärung Cao Caos über die Verhandlungen zwischen den Verbündeten und einer ersten Schlacht zu Lande. Die große Dramatik ist also noch nicht zu erwarten. Dennoch ist der Film mehr als nur ein fader Prolog.

Wie bei Woo nicht anders zu erwarten, ist der Auftakt von “Red Cliff” eine Schlacht, die hier sozusagen den Shootout ersetzt. Eine handfeste sogar mit reichlich Dreck und fetten Blutspritzern. Sofort fühlt man sich an seine ganz und gar nicht zahmen Heroic Bloodshed-Filme erinnert, die ihrer Genrebezeichnung ja in jeder Hinsicht gerecht werden. Wenn Hu Jun (“Infernal Affairs II”) zuerst mit einer Lanze dutzende gegnerische Kämpfer durchbohrt, während sein ehemals weißer, nun blutbespritzter Mantel in Zeitlupe durch das Bild flattert und er wenig später selbst mit einem Baby im Arm die Body Count in die Höhe treibt, ist das John Woo-Action in ihrer Reinform.

In den Achtzigern wurden die Kung Fu-Helden der Shaw-Filme durch Regisseure wie Woo mitsamt ihrer Ehrenkodizes in moderne Großstädte verfrachtet, um fortan ihre blutigen Tänze mit Schusswaffen und Armani-Anzügen auszuüben. Nun, nachdem die heimische Zuschauergunst für das Gangstergenre geschwunden ist, katapultiert Woo seine heroischen Kämpfer in die frühe chinesische Geschichte. Und sich selbst zurück in die erste Riege internationaler Actionregisseure.

In dem hierzulande eher unbekannten Hu Jun, der nicht einmal zu den Protagonisten gehört, hat Woo gleich noch einen hochkarätigen Ersatz für Chow Yun-Fat gefunden. Nach dieser ersten Schlacht keimt schon die Hoffnung auf, dass Hu, dem Chows Bodenständigkeit und physische Präsenz zu eigen sind, eine größere Rolle im Film spielen wird. Sehr bald wendet sich Woo allerdings den eigentlichen Stars des Films zu: Tony Leung und Takeshi Kaneshiro. Dass ausgerechnet diese beiden im Vergleich zum Rest der Schauspielergarde etwas enttäuschen, bleibt ein unbedeutender Wermutstropfen, da ihre “Chemie” durchaus genügt, wenn auch ihr Auftritt nicht gerade nach Preisen schreit.

Woos Vorliebe für die komplizierte Freundschaft zweier ehrenvoller Männer findet in der Beziehung Leungs und Kaneshiros ihren Ausdruck. Teil 1 von Red Cliff erzählt daher vom Entstehen ihrer Freundschaft mit Hilfe einer ausgedehnten “Musiziersequenz”, in der beide einander die Meisterschaft in ihrem Hobby beweisen (das sieht genauso homoerotisch aus, wie es klingt). Einigermaßen selbstverliebt ist das alles und der Charakterisierung der Figuren fügt  das Duell an der Zither nichts neues hinzu. Es ist aber auch typisch für den Regisseur, das Anbändeln der beiden Helden dermaßen offensichtlich auszubreiten, weshalb es ihm an dieser Stelle nachgesehen wird. Was tut man nicht alles, um einen 100%igen John Woo-Film zu bewundern?

“Red Cliff” ist genau das und noch vielmehr. Auch wenn die Freundschaft noch durch eine extrem kitschige Pferdegeburt (!) gefestigt werden muss, Tony Leung erschöpft und gelangweilt daher kommt und Takeshi Kaneshiro zweieinhalb Stunden lang nur amüsiert lächelt oder konzentriert nachdenkt. Vielmehr drücken seine hübschen Gesichtszüge in diesem Film leider nicht aus.

Über das Zitat seiner eigenen Markenzeichen in der Figureneinführung hinaus, fesselt Woo den Zuschauer durch das, was er am besten kann: Die extrem abwechslungsreiche Inszenierung komplizierter Actionsequenzen. Ein Film, der mit einer Schlacht beginnt, mit einer Schlacht endet und nur die Vorgeschichte eines Filmes erzählt, der sich um eine Schlacht drehen wird, könnte auf Dauer langweilig sein. Was Woo in “Red Cliff” abzieht ist glücklicherweise alles andere als das.

Vorbereitet durch eine brillante Parallelmontage der taktischen Diskussionen auf beiden Seiten, welche die Spannungsschraube noch einmal anzieht, schafft der Film es durch die Betonung einzelner Elemente der Taktik, einer fast zwanzigminütigen Schlachtensequenz die drohende Routine zu nehmen. Schon die Idee, drei große Krieger (einer davon Hu Jun) nacheinander allein auf die feindliche Armee loszulassen, um ihre Kampfkraft unter Beweis zu stellen macht Spaß. Ein wenig erinnert es an den Wettkampf des Zwergen Gimli mit dem Elben Legolas in Der Herr der Ringe: Die Zwei Türme. Eine humoristische Auflockerung des Geschehens ist es in jedem Fall.

Dass die geschilderte Schlacht den Handlungsverlauf nicht weiter beeinflusst und eher wie ein erzwungener Klimax wirkt, ist völlig egal. Schließlich reißt Tony Leung mit einem Pfeil einen gegnerischen Soldat vom Pferd. Mit einem Pfeil, den er sich gerade aus der Schulter gezogen hat. Ohne Bogen! Das Bild sollte man sich nochmal auf der Zunge zergehen lassen (sofern das physisch möglich ist).

Wie diese nicht enden wollende Kritik schon andeutet, hat Woo in Red Cliff auf bekanntem Terrain zu alter Stärke zurück gefunden. Die Selbstsicherheit merkt man ihm auch in den unblutigen Handlungsabschnitten an, etwa bei der Einführung von Tony Leungs Figur. Ganze drei Minuten lang neckt Woo den Zuschauer mit Leungs Hinterkopf, seiner Hand, seinen Augen, bevor er endlich das Gesicht seines Stars präsentiert und alle weiblichen Fans verzückt aufseufzen.

Überraschend ist Woos Sicherheit bei der Inszenierung des wichtigsten Elementes der Vorgeschichte: der Figurencharakterisierung. Das ist zum einen darauf zurückzuführen, dass er sich auf die hochkarätige Riege der Nebendarsteller verlassen kann. Andererseits ist die vielleicht beste Szene des Films gerade nicht blutgetränkt. Der durchaus charismatische “Bösewicht” Cao Cao lässt sich Tee servieren. Das war es auch schon. Trotzdem genügen die wenigen Minuten, um dem Geisteszustand und den damit verbundenen Motiven der von Zhang Fengyi porträtierten Figur habhaft zu werden. Zhang (“Der Kaiser und sein Attentäter”) sticht deutlich, aber auf eine erfreulich subtile Weise aus dem an Konkurrenz nicht armen Ensemble heraus.

Bei all den positiven Worten, bleibt abzuwarten, ob Woo seiner gereiften Herangehensweise auch im zweiten “Red Cliff”-Teil treu bleibt. Ob seine Rückkehr nach China auch eine Rückkehr zur Hyperemotionalität seiner Hongkonger Tage bedeutet, die Filme wie “The Killer” unfreiwillig komisch wirken ließ. Ob Takeshi Kaneshiro seinen verlorenen dritten Gesichtsausdruck wiederentdeckt. Ob eine weiße Taube das zu erwartende Flammenmeer zieren wird. Nach Sichtung der ersten Hälfte von Red Cliff darf äußerst befriedigt festgestellt werden: Willkommen zurück, Herr Woo!

Weitere Infos:

Red Cliff, der gewaltigen Schlacht erster Teil, ist in Hongkong als 2-Disc Edition im Mandarin-Original mit englischen Untertiteln erschienen. U.a. bei YesAsia.com kann man diese All Region-DVD bestellen.

Ob “Red Cliff” als Zweiteiler oder in einer zusammengeschnittenen, kürzeren Version in Deutschland anlaufen wird, scheint bisher nicht klar zu sein. Ich prophezeie schon mal letzteres. Laut Constantin wird der Film im ersten Quartal 2009 hierzulande die Kinos erobern.

In China startet der zweite Teil im Januar.

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All About Lily Chou-Chou (J 2001)

Bloggen – das ist nichts anderes als der Aufbau einer virtuellen Identität. Selbst wenn man den korrekten Namen, die eigene Adresse bis hin zum Aszendenten des eigenen Geburtsdatums, also freizügig Informationen über die eigene Person dem weitgehend anonymen Onlinepublikum preisgibt, bleibt der nickname eine von der konkreten Körperlichkeit losgelöste Identität. An deren Konstruktion hat das reale Alter Ego ebenso wie der Gelegenheitsleser und -klicker teil. Im Gegensatz zu anderen Medien, die eine ähnliche Wirkung erzielen, steht das Internet allerdings jedem mitteilungsbedürftigen, nicht sonderlich technikfeindlichen user offen. Second Life, aber auch simple Foren, Chats und Blogs akkumulieren damit das offenkundig moderne Bedürfnis nach der Erfindung eines alternativen Ich. Nicht selten ist die Kompensation der Mängel des alltäglichen Lebens Grund für die Inanspruchnahme des mit Millionen von Parallelidentitäten überfüllten World Wide Webs. Abgesehen vom bloßen Eskapismus, welcher der Netzkultur zuweilen unterstellt wird, bietet sie sich als anarchisch anmutender Sandkasten alternativer Lebensentwürfe geradezu an. Hält das notdürftig zusammengezimmerte Identitätsgerüst den eigenen Ansprüchen nicht mehr Stand, ist schließlich der logout button der mühelose Weg zum Neuanfang.

Für blue_cat und philia ist das Netz die ideale Möglichkeit, sich über ihren Lebensinhalt auszutauschen: Die mysteriöse Sängerin Lily Chou-Chou. Eine Mischung aus Björk und Sinead O’Connor ist sie. Ihre Musikwelt wird im Chat als Äther bezeichnet und tatsächlich eröffnet Regisseur Shunji Iwai (“Yentown”) seinen Film mit einem halluzinatorischem Traumbild, begleitet von der schwebenden Stimme der fiktiven Sängerin: Ein Junge steht mit seinem Discman mitten in einem sattgrünem Reisfeld und lauscht den Liedern seiner Lieblingssängerin, als befände er sich in einem von der ihn umgebenden Welt abgeschirmten Raum. Für Yuichi (Hayato Ichihara) ist dieser Äther das unumgängliche Narkotikum, um sein tagtägliches Leben zu überstehen.

Alles beginnt recht harmlos mit dem neuen Schüler Hoshino (Shugo Oshinari), der auf seiner alten Schule schikaniert wurde und sich nun beim Kendo mit dem introvertierten Yuichi anfreundet. Auf einem Ferientrip nach Okinawa entkommt Hoshino nur knapp dem Tode. Nach diesem einschneidenden Erlebnis wandelt sich der ehemals zurückhaltende Vorzeigeschüler zunehmend zum mitleidlosen Schultyrann, der mit seiner Bande Altersgenossen drangsaliert und auch vor Prostitution und Vergewaltigung nicht zurückschreckt.

Die zunächst reißerisch erscheinende Plot erinnert an andere japanische Jugendfilme, in denen die Teenager in ihrem Verhältnis zur Gewalt wie kleine, psychotische Erwachsene dargestellt werden. Battle Royale ist wohl eines der bekannteren Beispiele dafür. All About Lily Chou-Chou mit japanischen Splatterfilmen zu vergleichen, tut dem Film jedoch Unrecht, auch wenn die Situation der japanischen Gesellschaft wohl für beide Herangehensweisen verantwortlich zeichnet. Im  Zentrum von “All About Lily Chou-Chou” steht nicht die Darstellung körperlicher Gewalt  und Ausbeutung an sich, sondern deren Auswirkungen auf die Psyche der jungen Protagonisten.

Über eine Zeitspanne von drei Jahren erzählt Iwai von der Freundschaft der beiden Außenseiter, die sich zur eiskalten Repression des einen durch den anderen wandelt. Dabei verfällt er jedoch nicht auf das zu oft gesehene schüchterner – Junge – entwickelt – homoerotische – Abhängigkeitsbeziehung – zu – psychopathischem – Charismatiker – mit – fatalen – Folgen – Schema. Die Ähnlichkeit verbindet Yuichi und Hoshino zunächst. Zwar wirkt letzterer oberflächlich gesehen wie ein gut aussehender Spitzenschüler, dem alles zufliegt. Beide leiden aber ebenso wie scheinbar ein Großteil der japanischen Gesellschaft an einer ausgesprochen erschreckenden Passivität.

Es ist das hilflose Danebenstehen der Eltern- und Lehrergeneration, wenn die pubertierenden Jugendlichen beginnen, verrückt zu spielen. Es ist aber auch die Apathie der gehänselten, malträtierten Opfer, deren einziger Fluchtweg in den oben beschriebenen Äther der Popmusik, des Internets oder gar in den Suizid führt. Die emotionale Isolation schweißt die beiden Freunde zunächst zusammen, bis Hoshinos Verhaltensweise spätestens nach dem Nahtoderlebnis von destruktiven Aktionen dominiert wird. Sich auflehnend gegen einen schikanierenden Mitschüler, findet  er Gefallen an der Erniedrigung anderer. Oder ist es nur sein persönlicher Verzweiflungsschrei über die gefühlsentleerte Welt?

Auch Hoshino ist dem Äther der Lily Chou-Chou verfallen, so dass wir versucht sind zu rätseln, ob es sich bei blue_cat und philia um die virtuellen Identitäten der beiden Protagonisten handelt. Die schmucklos gehaltenen Chatzeilen überlagern im Verlauf der 150  Minuten des Films immer wieder die farbenprächtigungen, zutiefst melancholischen Bilder, deren Schönheit hin und wieder fühlbar schmerzt. Zuweilen scheinen unsere Teenagerhelden und -heldinnen mitten in der Verbildlichung des von ihnen ersehnten Äthers zu stehen. Die Unerreichbarkeit desselben im realen Leben lässt den Zuschauer daher ihre seelische Qual unwillkürlich nachfühlen.

In den Chatgesprächen wird einer erzählenden Rahmung gleich die Liebe zu Lily Chou-Chou geteilt und diskutiert, aber auch der eigene Seelenzustand. Für diese Worte gibt es im Alltag keine Hörer. Die fortwärende Spekulation über die körperlichen Alter Egos füttert Iwai durch verschiedene, sich erst bei näherem Hinsehen als Hinweise entpuppende Anhaltspunkte. Von Sichtung zu Sichtung verleitet der Film daher zu neuen Interpretationen genau darüber. Darin liegt eine seiner diversen Stärken.

Das 150 minütige Rätselraten mag für die nicht voll investierte Aufmerksamkeit strapazierend wirken. Gerade wenn Iwai die nicht-lineare Erzählung durch einen Mittelteil ergänzt – der Trip nach Okinawa – der mit seiner Handkameraoptik nicht nur wie ein Urlaubsvideo wirkt, sondern eines sein soll, könnte der ein oder andere Zuschauer nur noch mit einem verwirrten Kopfschütteln reagieren. Im Endeffekt erreicht er jedoch gerade durch seinen Verzicht auf eine konventionelle Narration und einfache Antworten im allgemeinen die gewünschte prägnante Darstellung der Jugend seiner Zeit, ohne dabei den rechthaberischen Zeigefinger zu schwingen.

Wenn virtuelle und reale Welt schließlich einander kreuzen, der ersehnte Äther sich nur als scheinbare Rettung vor der Wirklichkeit erweist, genügt jedenfalls die Erkenntnis, dass Hoshino und Yuicho Inhaber der Netzpersönlichkeiten Philia und blue_cat sein könnten. Mit der Feststellung, dass auch der kaltblütige Hoshino nur einer unter vielen Jugendlichen ist, welche die Unschuld der Kindheit allein aus Filmen kennen, sind wir durchaus gut bedient. Näher als Iwai kommt nämlich kaum ein Regisseur seinen 13- bis 15-jährigen Protagonisten.

Dank der Integration des modernsten Mediums, seiner Grenzen und Möglichkeiten, ohne in eine abgedroschene Cyberpunk-Optik zu verfallen, sowie der Idee Popmusik nicht – wie in unzähligen Coming-of-Age-Filmen – als melancholisches Begleitgedudel, sondern als zentrales Element der Story zu instrumentalisieren, gleitet All About Lily Chou-Chou sanft dem Status eines wegweisenden Beitrages seines Subgenres entgegen. Der großartig verwirrende, äußerst traurige, viel zu lang geratene und dennoch wunderschön tiefsinnige Film ist ein Markstein des neuen Jahrtausends, der erstmal eingeholt werden will.

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The Machine Girl (J/USA 2008)

Noch vor Einsetzen des Vorspanns von Noboru Iguchis The Machine Girl künden die reißerische Inszenierung und der verschwenderische Umgang mit vollkommen übertriebenen Blutfontänen vom Wesen der folgenden 96 Minuten. Nein, es ist keine feministisch angehauchte Science-Fiction-Meditation. Auch handelt es sich nicht um einen sozialkritischen Film über ausgebeutete Arbeiterinnen in Top Ramen-Fabriken. “The Machine Girl” ist stattdessen ein Trashfilm, wie ihn wohl nur die Japaner auf die Leinwand bringen können. Während anderen Regisseuren die Idee, ein Schulmädchen mit einem Maschinenpistolenarm auf eine tödliche Vendetta zu schicken, für einige unterhaltsame Geschmacklosigkeiten genügt hätte, baut Noboru Iguchi aus Spaß an der Freude Yakuza, Ninjas(!) und sogar eine fliegende Guillotine ein. Da verwundert es nicht, dass der Trailer des Films seine Attraktionen der Tradition von B- und C-Filmen entsprechend anpreist. Mit fetten gelben Buchstaben, das versteht sich.

Die recht platt gestrickte Geschichte erzählt von der Schülerin Ami (Minase Yashiro), die den Mord an ihrem Bruder rächen will, dabei ihren Arm verliert und mit Hilfe von einem KFZ-Mechanikerpärchen zur ihrer protzigen Wunderwaffe kommt. Ein Mädchen – natürlich die ganze Zeit ihre knappe Schuluniform tragend – das mit ihrer Protese Horden von Yakuza-Kiddies niedermäht; die Idee an sich ist High Concept à la carte, wie sie ein guter Trashfilm sich nur wünschen kann. Die von vornherein veranschlagte Einfachheit kann als ein erster Trumpf des Films gesehen werden. Iguchi gibt gar nicht erst vor, auf eine Sinn ergebende Story aus zu sein. Warum sollte er auch, schließlich stehen ihm Kampfszenen zwischen peinlich verkleideten Ninjas und einem mordlustigen Mädel zur Verfügung. Trumpf Nummer Zwei ist sein Verzicht darauf, sich nach der Einführung seiner Heldin einzig auf den Unterhaltungsfaktor von Blutfontänen zu verlassen. Der ist auf Dauer schließlich begrenzt.

Stattdessen beweist der Film bei den unzähligen Tötungs- und Verstümmlungsszenen seine ungebremste Phantasie. Abgetrennte Köpfe im Mittagessen und Sushi aus menschlichen Fingern sind da noch die konventionelleren Ausprägungen. Wenn hingegen ein Arm im Tempura-Stil frittiert wird, läuft der Zuschauer Gefahr, sein Bier vor Lachen über den Vordermann im Kinosaal zu versprühen. Ausgangsbasis des Unterhaltungspotenzials ist natürlich eine gewisse Offenheit gegenüber den Freuden des schlechten Geschmacks. Bei wem angesichts von Teenagern, die sich gegenseitig die Gliedmaßen abhacken, die Alarmglocken der Political Correctness läuten, mag der Genuss des Films höchstens zu einem besorgten Stirnrunzeln führen. Pflegt man allerdings einen Faible für intentional gedrehten Trash, der seine schlechten Gore-Effekte und die diversen abwegigen Einfälle mit Stolz vor sich her trägt, ist The Machine Girl absolut empfehlenswerte Kost.

Einziger Kritikpunkt sind ein paar der wenigen lang geratenen Passagen, die sich nicht gerade für eine bierselige Mitternachtsvorstellung eignen. Da Iguchi die melodramatischen Momente jedoch immer wieder ironisch bricht und die Heldin uns zuweilen zuzuzwinkern scheint, als wäre sie sich über den Spaßfaktor ihrer traurigen Story bewusst, fallen die wenigen Längen von “The Machine Girl” nicht weiter ins Gewicht. Man möchte ihr vielleicht nicht auf der Straße begegnen, aber man kann nur hoffen, dass das Machine Girl eine europäische DVD-Auswertung erhält. Am besten ist der Film wie seine Genregenossen in Anwesenheit von Freunden blutiger Ausschweifungen zu genießen.

Zum Weiterlesen:
Beiträge zum Exground Filmfest 2008 in Wiesbaden.